Das ist so eine Art Sachbuch von uns zum Thema. Ursprünglich war es ein Schnelleinstieg für SchülerInnen und Bachelors, aber jede/r findet hier relevante Tipps. Falls Euch was fehlt: sprecht mit uns, vielleicht können wir es gemeinsam ergänzen.
Das hier ist ein Leitfaden für Schüler und Studierende, die selbst Spiele machen wollen.
- Oder schon Spiele entwickeln und gerne noch besser werden möchten.
- Oder vielleicht sogar selbst „Indie-Developer“ werden wollen.
¶ 1. Das erste eigene Spiel!
Los geht's! Entwerft Euer erstes Spiel und setzt es um!
Ihr müsst am Anfang nicht mal alles selbst programmieren und/oder gestalten: hier sind eine Reihe von Websites und Programmen, die den Start enorm erleichtern:
Ihr könnt am Anfang auch einfach Entwicklungsumgebungen für bestimmte Genres verwenden, z.B. AdventureCreator für Unity oder Adventure Game Studio (für Adventures) · RPG Maker (für Role Playing Games) · Fungus (einfach Dialogsysteme erstellen) · Ren'py (für Visual Novels) · Twine (nichtlineare Erzählungen) · Tabletop Simulator (Brettspiele).
Oder moddet doch einfach am Anfang erst einmal! Was für Counter Strike, DayZ, PlayerUnknown's Battlegrounds, The Stanley Parable oder Dear Esther gut war, ist ja vielleicht auch für Eure ersten Projekte ein guter Ansatz? Mehr dazu unten, unter „Mods“.
Hier noch ein paar ganz essentielle Quellen, die Euch nur knapp 30 Minuten kosten. Sie sind wirklich wertvoll als Einstieg:
- Fail Faster - A Mantra for Creative Thinkers
- Keine Idee? Bafta Game Idea Generator
- Making Your First Game: Basics - How To Start Your Game Development
- Making Your First Game: Practical Rules - Setting (and Keeping) Goals
- Making Your First Game: Minimum Viable Product - Scope Small, Start Right
¶ 2. Die nächsten Spiele
So! War gut? Kam ein spielbares Spiel dabei raus?
Wenn ja: schon mal Spitze! Ein Beitrag für Euren Portfolio!
Wenn noch nicht: auch nicht schlimm! Dann ziehen wir das jetzt noch mal ein bisschen fundierter und schlauer auf!
- So You Want To Be a Game Designer – Career Advice for Making Games (Extra Credits)
Das hier ist ein schneller und ehrlicher Blick auf die Disziplin.
Die Kurzfassung: Lernt alles. Lernt kommunizieren. Devs und Artists gehen Sachen verschieden an. Game DesignerInnen sind keine RegisseurInnen und schon gar keine HerrscherInnen. Konzepte und Ideen allein sind nicht viel wert. SpielespielerInnen und -designerInnen sind ganz verschiedene Tätigkeiten. Plus noch ein paar weitere Knaller! - The mistake every new game developer makes (Game Maker’s Toolkit). Mark Brown, der Autor hinter der sowieso tollen YouTube-Serie Game Maker’s Toolkit ist selbst auch (Game) Designer und verrät hier, welche Fehler er früher machte. Die meisten davon kennen wir alle. Marks Lösungen sind: Game Design (meist) zuerst und Prototypen!
- 21 Free Learning Resources for Game Developers [Blog]. Eigentlich braucht ihr erst einmal nur das. Unten werden einige daraus kurz direkt vorgestellt.
¶ Mods
Ich weiß, das hier sieht immer so aus, als würden wir Euch von Euren „von Grund auf eigenen“ Spielen abhalten wollen. Wollen wir wirklich nicht. Wir erleben bloss immer wieder junge Teams, die sich am Anfang (zu) viel vornehmen – was völlig normal ist – und dann traurig sind, wenn nach einem halben Jahr Arbeit kein spielbares Spiel herausgekommen ist. Was bisweilen passiert.
Das ist auch gar nicht schlimm, denn vielleicht habt Ihr so etwas mehr Unity gelernt oder wie man einen Character entwirft und animiert.
Falls Ihr aber eher lieber ein wirklich spielbares Spiel als Ergebnis hinbekommen möchtet, dann sind Mods (also Umbauten existierender professioneller Spiele) vielleicht etwas für Euch. Hier eine Übersicht der berühmtesten. Es ist schon erstaunlich, wie viele kommerzielle Hits als studentische Projekte angefangen haben!
¶ Tools
Alle fragen immer erst mal nach Software, dabei sind die verwendeten Programme langfristig gar nicht so wichtig. Aktuell wollen alle Godot, Unity / Unreal und Blender können, und Artists immer noch Photoshop. Komplett falsch ist das auch nicht. Aber gerade zu Beginn Eurer Karriere ist das nicht der einfachste Weg, und auch nicht der schnellste.
Zunächst solltet Ihr Euch in Zeiten von Artificial Intelligence (AI) und Asset-Packs fragen, welche Teile Eures Spiel Ihr überhaupt selber erstellen wollt – und müsst. Und schon auch mal, wer Euch für welche dieser Arbeiten in Zukunft bezahlen soll, wenn selbst die anspruchsvolleren dieser Aufgaben entweder mit AI oder in günstigeren Ländern auf der Welt erbracht werden können. Wir sagen weiter unten noch etwas mehr zu Assets.
Bevor Ihr viel Zeit in das Pixeln eigener Figuren oder Hintergründe investiert (auch wenn das Spaß macht), solltet Ihr Asset-Quellen wie Kenney kennen. Oder AI-gestützte 3D-Modell-Generatoren und kostenlose oder günstige Assets in Online-Stores. Diese machen einiges an 3D-Skills überflüssig… oder haben das bereits.
Zu Photoshop (und generell zu dem teuren Abo-Zeug von Adobe) gibt es günstigere und teilweise sogar bessere Alternativen. Concept Art geht z.B. auf einem iPad mit Pencil und Procreate durchaus besser als mit Photoshop und einem Riesen-Wacom.
Wenn Ihr Unity oder Unreal lernen wollt, ist das Eure Entscheidung und sicher auch keine schlechte Wahl. Wenn Ihr ein offenes System sucht, sind Godot oder LUA / Solar2D einen Blick wert. Falls Ihr aber lieber erstmal ein paar Spiele auf die Beine stellen wollt, gibt es viel einfachere Tools. Zum Beispiel GameMaker oder sogar RPG Maker.
Manche Software kostet Geld und manche ist für iPads / Macs. Lohnt sich aber. Wir haben die meisten Sachen da.
Hier sind aktuell wichtige Tools:
- Engine-Platzhirsche, 2D / 3D Unity · Unreal
- Aktueller Open-Source-Darling Godot
- Einfachere Engines (eher 2D) GameMaker · Pico-8 · GDevelop · Construct
- Frameworks: LUA / Solar2D (2D/3D, Open Source) · Phaser.js
- Weitere HTML5-Engines. Eher für Kinder: Stencyl · Bloxels
- Best 2D Game Engines: The Complete List (2020) by Thomas Gervraud
- Best 2D Game Engines: The Complete List (2020) by Thomas Gervraud
- Entwicklungsumgebungen für bestimmte Genres AdventureCreator für Unity · Adventure Game Studio · RPG Maker · Fungus · Ren'py · Twine
- Art, Pixel Asesprite · Krita · Procreate (iPad) · Clip Studio Paint · Painter · Affinity Photo · Pixelmator · Storyboarder · Gimp
- Art, Vektor Affinity Designer · Inkscape · Sketch (Mac)
- Animation 2D Spriter · Spine
- Modelling / Animation 3D – Start Blender · ZBrush · SketchUp – Pro Maya · 3ds Max · Cinema 4D
- Development Unity · Visual Studio (bei Unity dabei) · Android Dev · Apple XCode
- Orga Google Sheets · Trello · Miro · Lucidchart · Github
- Sound Design erstmal immer Audacity
Ihr wollt mehr? Dann hier lang: Elisson Leao Magic Tools List (Danke an Anna Dorokhova :)
Fehlt was und das darf nicht so bleiben? Sagt's uns.
¶ Einfachere und schwierigere Genres
Es gibt einfachere und schwierigere Genres.
Für Eure ersten Versuche sind wahrscheinlich sehr einfache Genres wie Puzzles, Escape The Room / Point'n'Click Adventures oder sehr einfache Plattformer besser.
Einfach, weil die Chance größer ist, dass Ihr das gut hinkriegt im ersten Anlauf.
Wenn Ihr lieber direkt einen Plattformer wie Super Mario Bros. oder Castlevania oder gar ein einfaches (!) 3D-Spiel machen wollt, dann macht das ruhig. Ist dann halt deutlich mehr Arbeit. Falls Ihr nur ein Semester habt, ist das vielleicht zu anspruchsvoll, weil allein die Animationen für ein/e HeldIn Euch wahrscheinlich Wochen beschäftigen werden.
¶ Was bin ich?
In großen Studios gibt es ziemlich klar unterteilte Berufsbilder. In kleinen Indie-Studies macht sowieso jede/r alles so ein bisschen mit. Generell werden diese ganzen Schubladen, Genres und Abgrenzungen ein bisschen überbewertet und sind vor allem am Anfang nichts, mit dem Ihr Euch zu lange aufhalten solltet.
Selbst bei Artists und Developern gibt es auch eine Menge Gemeinsamkeiten, wie zum Beispiel Spaß an Teamwork, die Lust, kreativ etwas zu erschaffen oder ein Streben nach Sachen, die möglichst klar sind und gut funktionieren.
Dennoch, es stimmt schon auch: eine AutorIn macht wirklich was anderes als eine Concept ArtistIn und die wiederum machen was anderes als eine DeveloperIn oder eine AnimatorIn oder eine MusikerIn. Hier ist eine Grafik, die die ganzen Bereiche und ihre Berührungspunkte beispielhaft zeigt.
(Original-AutorIn unbekannt, wir haben es von hier.)
¶ Art Design
¶ Riot Games Edu: So You Wanna Make Games??
Tipp von Marcus Meiburg. Danke, Marcus!
Website oder direkt als Youtube-Playlist
10-teilige Video-Serie mit Fokus auf Game Art (gesamt etwa 2 Stunden). Der Blickwinkel ist schon recht spürbar der eines großen AAA-Entwicklerstudios, das mit diesen Videos auch gerne Nachwuchs ausbilden möchte. Aber erstens ist das ja okay, zweitens sind die Videos supergut gemacht und drittens sind fast alle Inhalte auch für Indies oder sonstige Projekte nutzbar. Kapitel 8 (Sound Design) und 10 (Game Design) sind eigentlich nicht „Art“ und wandern später in die passenden Kapitel. Für den Moment wollten wir hier aber die ganze Liste präsentieren.
- Intro to Game Art
- Concept Art
- Character Art
- Environment Art
- Technical Art
- Character Animation
- Game VFX
- Sound Design
- User Interface Design
- Game Design
¶ Wer noch nicht zeichnen kann, wird es hier nicht lernen
Lasst Euch den Spaß an kreativem Tun nicht vermiesen. Wir müssen aber mal mit einem Missverständnis aufräumen: Ihr werdet hier nicht in wenigen Wochen ausgefuchste Artists werden. Das braucht dann schon einige / viele Jahre Übung. Erfahrene DesignerInnen und Artists üben einfach sehr lang sehr viel (naja, und ein bisschen Interesse und Talent schaden auch nicht).
Fangt deshalb in Euren Spiele-Projekten lieber klein und einfach an. Erspart Euch am Anfang naturalistische Figuren erst einmal – und die damit verbundenen sehr arbeitsintensiven und zeitraubenden Animationen.
¶ Game Characters entwickeln
Wir reden hier erst einmal über „blosse“ Spielfiguren. Also einfach spielbare Figuren ohne epische Hintergrundgeschichten (das kommt später).
Tipp 1: Erstmal im Netz gucken, was es schon fertig oder als Vorlage gibt!
Entweder als Inspiration. Oder weil Ihr vielleicht etwas direkt verwenden und anpassen könnt. Am besten dann rechtefreie Sachen verwenden (siehe auch bei „Assets“).
Tipp 2: Selbermachen? Dann erst mal ganz einfache Figuren! (Spart Arbeit und Zeit)
Menschenartige Figuren zu zeichnen und zu animieren macht viel Arbeit und ist deshalb ganz am Anfang eigentlich keine gute Idee. Wenn es unbedingt menschenartige Figuren sein sollen: findet eine sehr gute Vorlage – oder besser gleich eine komplett animierte Figur als importierbares Asset. Sonst: Einen Pacman oder Kirby malen kann jede/r – und sowieso muss man für tolle Spiele gar nicht Menschenfiguren zeichnen und animieren können. Spiele wie Thomas Was Alone und unzählige andere Minimalist Design-Titel (Musik dort besser muten) zeigen, dass es wirklich auch einfacher geht.
Vector graphics, Low Poly oder Pixel Art kann eigentlich jeder und sieht immer cool aus. Und spart echt viel Zeit. Hier ein Artikel dazu.
Und hier ist ein ganz schönes Video von Gigantic, in dem Marco aus einfachen Vektorformen Spielcharaktere entwirft. Vielleicht ist das ja auch was für Euch? Obwohl, selbst diese Figuren sind eigentlich auch schon wieder zu kompliziert. Hier sind noch einfachere Tiere.
Hier noch ein Video von Blackthornprod(uctions). Auch hier wieder die wesentlichen Tricks: im Web nach Vorlagen und Beispielen gucken, alles stark vereinfachen, Kopf größer, Arme und Beine sind (erstmal) nicht so wichtig und können extrem vereinfacht werden. Hier sollen niedliche Figuren entstehen, da ist Kindchenschema (Kleinkindproportionen) meist eine gute Idee. Die anderen Prinzipien funktionieren aber unabhängig davon.
Diese Figuren (sorry, wir können solche Sachen hier wegen © nicht einbetten) sind zum Beispiel im Prinzip einfach nur die Grundformen Kreis, Quadrat oder Dreieck. Der Designer hat zwar dann noch allerlei Details zugefügt, aber die Grundform kriegt jede/r hin.
Auch clever: Füße gleich ganz weglassen oder sehr vereinfachen, Hände können auch nur Kreis sein, all das spart viel Detail- und Animationsaufwand. Auch gut: Geister, Ufos, Ballons (können einfach rumschweben), Roboter (können wie bei Marc Brown auch einfach nur ein Rollerrad haben, was sehr viel Aufwand spart).
Tipp 3: Die einfachen Figuren aber mit einem super Controller und tollen Animationen
Guckt Euch dann bitte dieses Video von Marc Brown (Game Maker’s Toolkit) an. Er entwickelt einen Plattformer mit einem Magneten und einem kleinen einrädrigen Roboter. Er hat dafür anfangs sehr einfache Platzhalter-Grafiken verwendet und auch später sind die Figuren immer noch sehr einfach. Das – gar nicht so geheime – Geheimnis: er kümmert sich sehr ausführlich um einen guten Controller (also die Bedienbarkeit und Handhabung der Figuren) und er wendet eine ganze Menge kleiner Animationen und sonstige Tricks (zum Beispiel Screenshake) an, damit sich seine Figur(en) dann gut anfühlen. Da könnt Ihr Euch eine Menge abgucken.
Inzwischen hat Marc Brown sogar ein interaktives Controller-Tutorial entwickelt. Video hier:
und Download des Toolkits hier: Platformer Toolkit.
Tipp 4: Man braucht am Anfang erstmal nur eine HeldIn und eine GegnerIn.
Das ist ein ganz simpler Trick, der aber immer wieder viel hilft. Plant nicht zu viele BossgegnerInnen oder Zwischenschergen, sondern einfach erst mal eine HeldIn und eine GegnerIn. Das ist auch erst mal genug Arbeit.
Wenn die dann wirklich gut funktionieren und Spaß zu spielen machen, könnt Ihr mit nur kleinen Änderungen weitere GegnerInnen entwickeln (Kleidung in einer anderen Farbe, bewegen sich etwas langsamer oder anders, haben Bärte usw.).
Wir wollen jetzt aber richtige Character entwerfen!
Okay. Dann hier eine Übung von Michael Benrad von den Beardshakern:
Figurendesign „Collector“
Würfelt Euch ein Subgenre
Jede TeilnehmerIn einzeln. Kein Würfel zu Hand? https://dice.virtuworld.net)
- First Person Horror
- Metroidvania
- Sammelkartenspiel
- Escape the Room
- 2D Top Down Arcade Game
- Visual Novel
Nehmt ruhig mal was, wo Ihr nicht so zu Hause seit und lasst Euch darauf ein, dieses Subgenre mal etwas genauer zu betrachten.
Figurendesign „Collector“
- Aufgabe: Designe eine Figur, die in Dein gewürfeltes Spielgenre passt. Das Oberthema ist „Collector“.
- Ein Figur, die sammelt, hortet, anhäuft, akkumuliert und zusammenträgt.
- Alles andere ist dir überlassen – nur muss die Figur zum gewählten Spielgenre passen.
Schritt 1
- Bestimme die Eigenschaften und Merkmale der Figur (stichpunktartig).
- Name, Aussehen, Charakter, Alter, Bildung, Motivation, Backstory etc. ...
- Was sammelt sie, und warum?
- Was macht sie mit den gesammelten Dingen?
Schritt 2
- Zeichne die Figur in ihrer Gesamtheit (so gut du eben kannst – Skizzen sind vollkommen okay).
Schritt 3
- Kurze Zwischenpräsentation und evtl. Besprechung.
Schritt 4 (Spiel)
- Zeichne die Figur so, wie sie im Spiel vorkommt. Beachte die Perspektive des von dir gewählten Genres.
- Definiere und beschreibe mindestens zwei Handlungen, die die Figur üblicherweise vornimmt (hier beispielsweise „Sammeln“ und „Gesammeltes benutzen“).
- Zeichne zu diesen Handlungen die Keyframes (so, wie sie im Spiel vorkommen).
Finale Präsentation und Besprechung
Viel Spaß! :)
¶ Assets: nicht alles selbst erzeugen
Wenn Ihr eine Scheibe Brot essen wollt, pflügt Ihr ja nicht erst ein Feld, um Weizen anzupflanzen. Dass Ihr (hoffentlich) eine fertige Game-Engine verwendet, ist schon mal ein guter Schritt in die richtige Richtung. Denn das kann man allein oder als kleine Gruppe heute nicht mehr einfach so mal machen. Oder, falls Ihr unbedingt eine eigene Engine schreiben wollt: dann fehlt Euch diese Zeit jedenfalls für Eure Spiele.
Bei Grafiken, Musik, Sounds, Code-Schnipseln, ganzen Plugins, Modellen, Animationen usw. läuft das heute auch nicht anders: Vieles davon kann man kostenlos oder günstig vorproduziert bekommen:
- Elisson Leao Magic Tools List (Danke an Anna Dorokhova für den Link :)
- Wir empfehlen gern zum Einstieg: Kenney, auch, weil es kostenlos ist für die Lehre
- Klar, schaut in den Unity Asset Store.
Auch hier noch mal Carinas Tipp aus dem Dev-Kapitel:
- HAW-Studierende haben Zugriff auf das Förderprogramm „Unity Student“. Hier die Hintergründe. Es enthält die Pro-Version von Unity und Zugang zu einem umfangreichen Asset Pack und Unity Learn Premium.
¶ Animation
Animation ist toll, aber schon ein ganz schöner Zeitkiller. Selber lernen? Ihr werdet in einem Semesterprojekt nur die Oberfläche ankratzen können. Lasst lieber die Finger von menschlichen Figuren in Euren ersten Projekten, die sind besonders aufwendig. Und wenn menschlich, dann wenigstens so einfach wie's geht (sehr abstrakt / einfach / cartoonig / Kirby). Oder eben als fertige Assets.
Hier sind die Basics:
- 12 Principles of Animation (Video von Alan Becker). Die Disney-Animatoren Ollie Johnston and Frank Thomas publizierten 1981 in dem Buch The Illusion of Life: Disney Animation 12 Prinzipien, wie ausdrucksstarke (Cartoon-) Animation funktioniert. Dieses Video zeigt superschnell, was sie meinen. Diese Prinzipien sind weitgehend auch auf Videospiele anwendbar – bloss mit dem Unterschied, dass Ihr bei nichtlinearen Computerspiele-Anims meist alles in sehr kleine Häppchen zerlegen müsst, damit die Figuren schnell auf die Eingaben der SpielerInnen reagieren.
- Falls es doch menschliche oder menschenähnliche Figuren sein müssen, braucht Ihr wahrscheinlich Walk Cycles und Run Cycles. Auch dafür hat der Animator Alan Becker diese kurzen Videos produziert. Die hinteren Hälften könnt ihr sogar ignorieren, die beziehen sich auf klassische Animationsfilme.
- Und dann wird immer Animation Survival Kit genannt. Großartig, aber sehr Oldschool und vor allem für Leute, die das wirklich vertieft machen wollen. Hier das Buch, hier die DVD-Serie. Kann man in Bibliotheken finden, oder wo man sonst so Filme findet...
¶ Tutorials & Footage-Websites
Hier einige Übersichten der Studierenden von 2012. Die müssen wir dringend mal wieder durchschauen, aber es ist ein Start.
Wir würden uns sehr freuen, wenn hier unsere Artists mit ihren Lieblingsquellen wieder helfen könnten!
- Blender-Tutorials
- Concept Art-Tutorials
- Kostenlose 3D-Modeller
- Stock-Images
- live2d Cubism (für einfache 2D-Animationen)
¶ User Interface (UI) Design
User Interface Design für Spiele ist etwas anders als von „regulärer“ Anwendungssoftware: meist ist es lauter und bunter. Und leider nicht selten auch ziemlich schlecht, weil Klischees aus den 1990ern dort fröhlich weiterleben: zu viele Icons, Relief-, Partikel-, Metallic- und Material-Effekte, umständliche Klickstrecken durch Optionen-Screens und Lade-Funktionen, und allgemein die etwas überkommene Idee komplexer „Expert*innen-WIMP-Interfaces“.
Kann man alles machen, und manchmal passt es sogar. Aber bei vielen gängigen Video-Game-UI-Klischees lohnt sich die Frage: muss das so sein? Warum? Geht das auch einfacher? Geht weniger davon? Ahmt Ihr Klischees absichtlich nach (zum Beispiel als Hommage) oder nur, weil Ihr es nicht besser kennt?
Hier mal die schöne Kurzeinführung der Riot Edu: So You Wanna Make Games?? | Episode 9: User Interface Design
Oh, und nehmt bitte nicht immer so viele so schlechte Schriften. Ja, die Schriften und Lesbarkeit in den 1980 / 1990ern waren grauenhaft. Aber die Zeiten solch geringer Bildschirmauflösungen sind wirklich lange vorbei. Wer viel Text hat: lernt mal etwas gute Lesetypografie (lustigerweise löst diese Seite kaum welche dieser Regeln ein). Bei Google Fonts gibt's viele gute Schriften für umsonst.
Welches Genre, welches Interface?
Narrative Games brauchen kein HUD (Head up Display). Manchmal (zer-) stören Einblendungen dort sogar die Vertiefung ins Spiel („Immersion“). Das Spiel sieht dann aus „wie ein Spiel“, nicht wie eine durchgehende Spielewelt. Andere Genres müssen viele Daten anzeigen und zugänglich machen, da kommt man um die Einblendung von Daten nicht herum. Manche Spielegattungen produzieren auch absichtlich eine Unmenge von Informationen, weil es manchmal auch Spaß macht. Manager-Spiele, Oldschool-Sims und Cookie Clicker zum Beispiel.
Für all das gelten allgemeine Designregeln. Hier mal ein paar Klassiker aus dem regulären (Software-) Design.
Non Diegetic, Diegetic, Meta, Spatial
Eine gängige Unterteilung für User Interface-Elemente lautet:
- Non Diegetic – außerhalb / über der Spielwelt, zum Beispiel Head Up Display-Elemente
- Diegetic – in der Spielwelt
- Meta – teil der Spielwelt, aber auch überlagernd
- Spatial – dreidimensional in der Spielewelt verortete Overlays
Hier wird das gut erklärt und bebildert: A Guide to Video Game UI · Video Game Design. Die Dead Space- und die Metro-Serie sind oft genannte Beispiel für die besonders „immersiven“ Diegetic Interfaces, also solche, die sich direkt in der Spielewelt befinden – und so wenig im Weg stehen. Hier ein Video zu den cleveren Details in Dead Space Immersive User Interface (UI) in Video Games, hier ein wie immer tolles von Game Maker's Toolkit zur Immersivität von Metro Exodus.
Immer da?
Nächste Frage: muss alles immer da sein oder können manche Sachen verschwinden? Kann man Sachen ein- und ausblenden? Kann man wählen, was angezeigt wird (oft eine gute Idee)?
Natürlich kommen Leute inzwischen mit hochkomplexen Interfaces klar. Ob da aber jeder / jede Lust zu hat, ist eine andere Frage. Es lohnt sich hier, wie auch sonst im Software-Design, zu reduzieren und zu fokussieren. Viel Interface-Überfluss kann durch Überlegen und Redesign gemildert oder vermieden werden:
- Die Blutspritzer im Sichtfeld ersetzen den Health Bar
- Braucht's überhaupt einen Score?
- Muss Euer Inventar „rasterig“ sein wie die Icon-Leiste einer Textverarbeitung von 1995 oder kann man die drei Gewehre in dem Rucksack nicht auch einfach übereinander schmeissen?
- Kann man diese ganzen umständlichen Optionen-Bäume stutzen und Wichtiges direkt nach oben (und am besten direkt in das Spiel) sortieren, statt es auf „Graphics“ und „Audio“-Screens anzuordnen?
- Müssen dieser Metallic-Effekt und dieser Drop Shadow wirklich sein? Die 1990er sind doch eigentlich vorbei ;)
Mehr!
GDC Vault Playlist zu UI und UX (User Experience)
Einiges davon ist dann gleich User Experience Design, das ist dann die abstraktere Liga oberhalb von User Interface Design.
¶ Dev
Junge Devs suchen meist überhaupt erst einmal einen Zugang, während die erfahreneren Master-Studierenden fortgeschrittenere Inhalte brauchen. Darum diese Sortierung. Die Empfehlungen für dieses Kapitel wurden ganz wesentlich von den Games-MasterInnen Carina Krafft und Marcus Meiburg zusammengestellt – vielen Dank dafür!
¶ Für EinsteigerInnen
Game Devs ticken schon (etwas) anders als andere Devs. Sie sollten nämlich Lust haben, mit anderen Gewerken, vor allem mit Artists, zusammenzuarbeiten. Und alle guten Devs sollten nicht nur spitze im Programmieren sein, sondern auch im Kommunizieren. Diese beiden Extra-Credits-Videos erklären das sehr gut.
- So You Want to Be a Developer – I: How to Think Algorithmically
- So You Want to Be a Developer – II: Understand Your Coworkers and Your Users
Viele stürzen sich erst einmal auf die Game-Engine Unity. Das macht meist auch Sinn. Carinas Tipps:
- Super erklärt und gut zu folgen: der YouTube-Channel von Brackeys. Er ist auch up-to-date mit neuen Unity-Features.
- HAW-Studierende haben Zugriff auf das Förderprogramm „Unity Student“. Hier die Hintergründe. Es enthält die Pro-Version von Unity und Zugang zu einem umfangreichen Asset Pack und Unity Learn Premium.
- Unity bietet viele „hauseigene“ Tutorials. Mit Unity Learn Premium hat man hier Zugang auf fast alle Tutorials. Aber auch ohne Premium-Zugang gibt es dort einige kostenlose Tutorials, die den Einstieg in die Spieleentwicklung mit Unity erleichtern.
¶ Für Fortgeschrittene
- Game Programming Patterns. Das empfehlen einfach alle, weil es schlicht großartig ist: Freie (!) Online-Version des Buchs. Gängige Game Patterns und Erklärungen und Beispiele, wofür. Codebeispiele in C++.
- 300 (Game) Mechanics und 300 Prototypen dazu. Eine beeindruckende (und manchmal überwältigende) Sammlung von Game Mechanics und entsprechenden Prototypen. Dies ist gleichzeitig ein gutes Beispiel, wie man Mechaniken konzipiert, beschreibt, visualisiert und möglichst schnell ausprobiert.
Hier wieder Empfehlungen und Tipps von Carina:
- Viele Talks von Unitys eigener Konferenz „Unite“ findet Ihr auf Youtube.
- Für sauberen Code ist eine gute Entwicklunsumgebung wichtig. Auch hier kann man wieder von seinem Studentenstatus profitieren. In unserem Team benutzen die meisten Visual Studio (kostenlos, wird bei Unity mit installiert) mit dem Add-On ReSharper (kostenlos für Studenten).
- Man kann aber zum Beispiel auch Rider verwenden (kostenlos für Studenten). Rider ist den typischen Entwicklungsumgebungen von Java ähnlicher, deswegen könnte das vor allem Studenten gefallen, die aus dieser Richtung kommen.
- Mix and Jam: eine Sammlung von Videos, in denen Effekte aus bekannten Spielen nachprogrammiert werden.
(Vielen Dank an Julius für den Hinweis). - Wie man mit Unity einen Build für Android erzeugt.
- Das Buch „Besser Coden“ von Uwe Post (HAW-Katalog) hat gute Tips zur Codestruktur und wie man allgemein schönen Code schreibt. Es behandelt auch, wie man gut im Team programmieren kann. Codebeispiele meist in Java und C#.
- Und auch hier wieder die Videos im GDC Vault und im GDC Youtube Channel mit den Talks der weltweiten Game Developer Konferenzen.
¶ Game Design
Game Design ist gleichzeitig supereinfach („Fang mich!“) und superkomplex (man lernt nie aus und nach hinten raus wird's wirklich erstaunlich komplex).
Ihr müsst nicht erst viele Bücher lesen, um Euch Spiele ausdenken zu dürfen. Und seit Ihr Kleinkinder seid, macht Ihr es sowieso. Und Ihr habt garantiert sowieso genug Super Mario, Mario Kart oder andere Videospiele gespielt, um zu ahnen, oder sogar zu wissen, wie ein gutes Spiel aufgebaut sein sollte.
Also, baut Eure eigenen ersten Spiele einfach direkt. Macht sowieso am meisten Spaß. Und kommt dann hierher, um noch mehr darüber zu lernen und die übergreifenden Muster hinter guten und schlechten Spielen zu verstehen.
Extra Credits hat einen schönen Film darüber, wie man Game Design in (Hoch-)schulen lernen sollte. (Keine) Überraschung: genau so machen wir das auch
¶ Was ist Game Design?
Quelle: eigene Grafik, basierend auf einem Diagramm aus Jesse Schells sehr guten Buch „Die Kunst des Game Designs“.
Game Design ist gleichzeitig ein Teil des ganzen (vor allem die Regeln /Mechaniken) und die Bezeichnung für das große Ganze. Die Bereiche stehen in Verbindung miteinander.
Die genauen Abgrenzungen sind erst einmal fast egal. In kleinen Teams / bei Indies macht sowieso jeder alles ein bisschen. Die Unterscheidungen in bestimmte Berufsgruppen und Arbeitsfelder werden erst in großen Firmen oder bei sehr großen Projekten wichtiger (siehe oben bei „Was bin ich?“).
Artist und Developer können natürlich das Game Design, die Story, etwaige Dialoge, die Musik und Geräusche und ein bisschen Öffentlichkeitsarbeit auch erst einmal selbst machen. Und so läuft es ja am Anfang auch meistens. Und bei Indies bleibt das auch so.
Ihr solltet halt bloss verstehen, dass Games mehr sind als „nur“ Art und Dev (als ob die nicht schon anspruchsvoll genug wären
). Und dass man eine generelle Offenheit für viele andere Disziplinen haben sollte.
¶ Game Maker’s Toolkit
Immer fabelhaft gut: der Game-Journalist Mark Brown mit seinem Game Maker's Toolkit. Da kann man eigentlich jedes Video mit Gewinn gucken. Ich habe hier einige Sachen rausgesucht, die ich im Unterricht auch dauernd erkläre. Aber ernsthaft: schaut jedes dieser Videos. Sie sind einfach Spitze!
Pac-Man | Design Icons
Warum Pac Man ein Spiel für alle ist, Character Design in Videospielen erheblich weitergebracht (mache sagen, sogar erfunden) hat, wie es nebenher Cut Scenes eingeführt hat und auch mal zum Verschnaufen Zeit ließ. Außerdem: erstaunlich clevere „Gegner-AI“ und, superwichtig: Games sind für die SpielerInnen – nicht für Developer. Das vielleicht wichtigste Zitat in Minute 8'00.
¶ Generell
- How to Keep Players Engaged (Without Being Evil) (Game Maker's Toolkit)
Wie man seine SpielerInnen motiviert, immer weiterspielen zu wollen. Ohne dabei miese Tricks zu benutzen. - How Games Get Balanced (Game Maker's Toolkit)
- How Games Use Feedback Loops (Game Maker's Toolkit)
¶ Leveldesign
- How Level Design Can Tell a Story (Game Maker's Toolkit)
- Why Nathan Drake Doesn't Need a Compass (Game Maker's Toolkit)
¶ Point’n’Click Adventure Games
¶ Puzzles
- What Makes a Good Puzzle? (Game Maker's Toolkit) – Alles superrichtig und superwichtig. Schöne Hinweise ab 13'35.
- A Good Puzzle Game Is Hard To Build (Rock, Paper, Shotgun) – The aesthetics of puzzle game design
¶ Plattformer
- Why Does Celeste Feel So Good to Play? (Game Maker's Toolkit)
Ihr wollt Plattformer entwickeln? Lernt dies. Und über Effekte und Kameras.
¶ Tutorials
Manche Leute mögen Tutorials in Games, die meisten wollen aber lieber gleich richtig loslegen. Und so gut wie niemand liest am Anfang lange Erklärtexte durch.
Meist sind Tutorials und lange Erklärungen nur ein Anzeichen dafür, das die Game DesignerInnen ihren Job nicht oder zu wenig gemacht haben. Gute Spiele schaffen es fast unbemerkt und im Spiel selbst, ihre Regeln zu kommunizieren.
Besonders schön erzählt wird das im HalfLife-Video und mit vielen Kraftausdrücken (aber auch vielen guten Punkten) im Egoraptors Mega Man-Video.
- Tutorials 101 - How to Design a Good Game Tutorial (Extra Credits)
- Half-Life 2's Invisible Tutorial | Teaching Players (Game Maker's Toolkit)
- Sequelitis – Mega Man Classic vs. Mega Man X (Egoraptor)
¶ Kameras
Es gäbe über Kameraarbeit wahrlich mehr zu sagen als bloss das. Oben gibt’s noch das Video zum Screen und Camera Shake von Jan Willem Nijman. Hier bloss der eine Gamasutra-Artikel (und Talk), den jeder über Kameraarbeit in Sidescrollern gelesen, gesehen und verstanden haben sollte.
¶ Game Feel / Juicing
„Game Feel“ oder auch „Juicing“ wird verwendet, aus einem ganz okayen Spiel ein richtig tolles Spiel zu machen. So ein bisschen der Unterschied zwischen einem Amateurspiel und einem Profispiel. Dazu benutzt man unzählige kleine Kniffe: Animationen, Partikeleffekte, Sounds, Controller-Feedback, Kamerageschüttel, irre große Knarren und Kugeln, Einschlagspuren und vieles mehr.
Hier wird das generelle Konzept mit guten Beispielen erklärt: Secrets of Game Feel and Juice | Game Design Basics (Game Maker’s Toolkit)
Und hier wird gezeigt, wie man's macht (mit vielen Demos):
Game Feel: Why Your Death Animation Sucks. Ein GDC-Talk von Nicolae Berbece. Danke für den Tipp an Paul Woerner
“The art of screenshake”. Jan Willem Nijman von Vlambeer zeigt, wie man mit Kameraarbeit, aber auch generell, ein Spiel solange aufbrezelt, bis es wirklich rockt. Er geht dabei Flambeer-typisch bin an bzw. hinter die Grenze des Klischees. Es ist wichtig zu verstehen, an wie vielen Details man arbeiten sollte, bis aus einem eher müden Spiel ein mitreissendes wird.
“Juice it or lose it” (Martin Jonasson & Petri Purho). Nochmal dasselbe, aber es funktioniert sogar mit dem wirklich alten Spiel “Breakout”.
¶ Spiele testen („Playtesting“)
Die Kurzfassung: Spieletests sind superwichtig. Eure Spiele werden viel besser durch Testing. Gewöhnt Euch dran. Testet viel früher (und öfter), als Ihr denkt.
Wie man testet? Am besten persönlich. Aber zu Itch.io hochladen ist auch eine sehr gute Idee.
- Playtesting – How to Get Good Feedback on Your Game (Extra Credits)
Alles Wichtige wird hier tatsächlich gesagt. Mehr muß man erst mal nicht wissen, das aber schon. Und halt wirklich testen. - What Games Are Like For Someone Who Doesn't Play Games
Diese Videos helfen Euch als DesignerInnen zu vermeiden, von ExpertInnenwissen auszugehen. Unerfahrene SpielerInnen werden Euer Spiel sonst nämlich nicht oder falsch verstehen und dann wenig Spaß dran haben. Gleichzeitig ist es eine wichtige Erinnerung, nicht immer nur spielaffine und spielerfahrene FreundInnen zu fragen.
¶ Sound Design: Geräusche und Musik
Spiele können Geräusche haben und Musik. Bei Sounds gibt's meist Geräusche in der Spielwelt und User-Interface-Sounds – also Sounds außerhalb der Game-Welt. Z.B., dass der Start-Button „Blopp“ bei Drücken macht und so. Muss aber auch nicht sein.
Macht Musik und Sounds unabhängig voneinander regelbar, manche Leute finden jede Musik nervig. Und ein Mute-Button wird meist geschätzt.
Und hier ein Blitzeinführungskurs von Riot Games Edu: You Wanna Make Games?? | Episode 8: Sound Design.
¶ Wo gibt's rechtefreie / kostenlose Musik und Sounds?
- Unser Lieblings-Power-Move #1, weil kostenfrei, schnell und passt zum Medium: synthetisiert Euch doch Eure eigenen – garantiert rechtefreien – „8-Bit“-Samples! Mit dem Online-Synthie JFXR, einer Überbeitung des berühmten (aber leider veralteten) BFXR. Da gibt's zum Beispiel schon Presets für häufig gebrauchte Sounds wie Coins, Laser und PowerUps, die in Echtzeit für Euch erzeugt werden.
- Unser Lieblings-Power-Move #2: einfach die gewünschten Sound direkt einsprechen, summen, singen oder brzzzztlen.... schaut dazu diesen Schnipsel. Geht schnell, ist genau, was es sein soll ... und macht voll Laune! Schönes Beispiel: Bei "Hidden Folks" wurden einfach gleich alle Sounds mit dem Mund produziert!
Und hier noch „reguläre“ Bezugsquellen für Sounds und Music:
- SoundBible – die Basics schnell organisiert. Creative Commons, Autor muss im Impressum oder Abspann angegeben werden.
- Freesound – Fabelhafte Kollektion von auch noch den abwegisten Klangschnipseln mit sehr guter Schlagwort-Suche und zeitsparender Voranzeige. Creative Commons, Autor muss im Impressum oder Abspann angegeben werden.
- Free Music Archive – Tolle Sammlung frei zugänglicher Musiktitel. Creative Commons, Autor muss im Impressum oder Abspann genannt werden.
- Incompetech / Kevin MacLeod – Manche Songs sind etwas cheesy, vieles aber sehr brauchbar. Das ganze Internet verwendet diese gut produzierten und unter Creative Commons-Lizenz kostenlos („royalty-free“) nutzbaren Songs. Die einzige Auflage ist die Lizenzangabe im Impressum oder Abspann Eures Projekts. Dieser Hinweis kann für die gewünschten Stücke sogar einfach hier erzeugt werden. Das sieht dann so aus:
„8bit Dungeon Level“
Kevin MacLeod (incompetech.com)
Licensed under Creative Commons: By Attribution 3.0 http://creativecommons.org/licenses/by/3.0/
- Soundcloud. Dann aber auf jeden Fall nur „Creative Commons“ Songs! Da gibt's schon tolle Leute mit frischer, catchy Musik. Seid da aber vorsichtig, manches ist einfach nicht wirklich rechtegeklärt. Wenn Remixer Songs remixen, haben Sie normalerweise nicht die Rechte, das als Creative Commons weiterzugeben.
- Teuer: Wenn's mit der Musik eilt und/oder Ihr ganz sicher sein müsst: geht einfach zu Getty Images Music, Envato Elements oder irgend einer anderen Bezahldatenbank. Da kostet ein Song dann zwar gerne mal zwischen 10-40 €, aber dafür sind die Sachen da professionell gemacht und sehr gut sortiert und findbar. Und der Vertrag wasserdicht.
¶ Sound Design Basics
- Software? Erstmal immer Audacity
- So You Wanna Make Games?? | Episode 8: Sound Design – wozu und wie, eine Kurzeinführung
- Extra Credits: Video Game Music – How to Create a Timeless Theme – eher eine Betrachtung, was eine gute Game-Musik ausmachte und ausmacht. Wenige von Euch werden eigene Musik schreiben (obwohl: eigentlich eine gute Idee!), aber selbst dann sind die Beobachtungen hilfreich für alle Game-Musik.
¶ Adaptive Soundtracks
- Game Maker's Toolkit: Adaptive Soundtracks | Designing Video Game Music
Das ist dann wirklich avanciert, aber auch derbe clever und professionell: wie sich Musik der Aktion eines Spiels bruchlos anpasst.
¶ 3. Games Wissen
Niemand braucht „Games Wissen“, um richtig tolle Games zu machen. Ihr habt wahrscheinlich genug Spiele in Eurem Leben gespielt, um zu ahnen, was Spaß macht – und was nervt.
Wenn Ihr aber nach Euren ersten eigenen Versuchen weiter kommen und die Prinzipien und Muster dahinter verstehen wollt, empfehlen wir doch mal das eine oder andere vertiefende Buch oder Video.
Man kann zwar so ziemlich alles auch durch Kopieren und Trial-and-Error rausbekommen. Und vielleicht lernt man sogar dauerhafter auf diese Weise, weil es nämlich eine „eigene Erfahrung“ ist. Viele Konzepte und Ideen kann man mit Büchern und Videos aber schneller und einfacher „freischalten“.
¶ Bücher
Die erwachsene Komplettlösung: Lest Jesse Schells Buch The Art of Game Design. Mindestens so die ersten 200 Seiten. Besser können wir das auch nicht sagen (allenfalls lustiger, hübscher und/oder kürzer). Seinen „Lenses“-Kartensatz gibt's als kostenlose App (Android, iOS). Das Gesamt-PDF des Buchs schwappt auch im Web rum, aber kaufen ist netter – allein schon, weil er wirklich ein gutes Buch geschrieben hat. Gibt's auch auf Deutsch.
Auch noch echt brauchbar: Fullerton, T., Swain, C., & Hoffman, S. (2008). Game Design Workshop: A Playcentric Approach to Creating Innovative Games.
Und klar, es gibt ganz viele andere tolle Bücher. Fehlt was und das darf auf keinen Fall so bleiben? Sagt's uns.
¶ Game Maker's Toolkit
Wenn's diese fantastische Video-Essay-Serie noch nicht gäbe, man müsste sie wirklich dringend erfinden. Zum Glück ist sie ja da. Mark Brown mit seinem Game Maker's Toolkit erklärt anhand klug erzählter und hervorragend visuell unterstützter Videos in Happen von etwa 8-20 Minuten jeweils ein wichtiges spielerisches Konzept (oder einen Aspekt eines Spiels). Bei Game Design oben nutzen wir eine ganze Reihe von Videos, um manche Punkte zu erklären. Aber ganz ehrlich: guckt die ganze Serie. Sie ist wirklich hervorragend.
¶ Extra Credits
Ihr könnt auch einfach das lustige und schnell erzählte Extra Credits durchgucken. Ein paar Dutzend Folgen sollte jeder mal gesehen haben. Und noch ein paar Dutzend. Und noch ein paar Dutzend
Wir denken zwar, dass Ihr mit einem guten Buch oder etwas weniger auf Witzigkeit gebürsteten Videos (siehe oben) manchmal schneller mehr aufsaugen könntet.
Egal, könnt ihr auch später noch. Extra Credits macht erstmal mehr Laune. Hier sind unsere Tipps, um schnell reinzukommen. Sowie ein paar Essentials:
¶ Basics
- Fail Faster – A Mantra for Creative Thinkers
- Making Your First Game: Basics – How To Start Your Game Development
- Making Your First Game: Practical Rules – Setting (and Keeping) Goals
- Making Your First Game: Minimum Viable Product – Scope Small, Start Right
- Making Your First Game: Launching! – How to Market Your Game
- The Illusion of Choice – How Games Balance Freedom and Scope
- So You Want To Be a Game Designer – Career Advice for Making Games
- So You Want to Be a Developer – I: How to Think Algorithmically
- So You Want to Be a Developer – II: Understand Your Coworkers and Your Users
- Choice and Conflict – What Does Choice Mean in Games?
¶ Noch bisschen mehr
- Tutorials 101 - How to Design a Good Game Tutorial - Extra Credits
- Non-Combat Gaming - How to Make Social Mechanics Fun
- Bad Writing - Why Most Games Tell Bad Stories
- Enriching Lives - What Mass Effect 2 Teaches Us about Morality -
- Video Game Music - How to Create a Timeless Theme
- Diversity - Why Do Games Lack Diverse Characters?
¶ Games Developer Conference und Gamasutra
Und dann gibt's noch die ganz großen Wasserstellen von Informatech:
- Der Youtube-Channel der Games Developer Conference(s) (GDC),
- die Online-Publikation Gamasutra mit unendlich vielen fantastischen Artikeln von Profi-Game-DeveloperInnen, und
- der GDC Vault. Da sind alle Vorträge drin, die je auf den GDCs usw. gehalten wurden. Manches ist offen, für manches muss man Mitglied sein. Für das laufende Jahr hat die HAW sogar einen mehrere tausend $ teuren Zugang. Dann aber nur auf dem Campus oder per VPN.
So. Mit diesen Quellen habt ihr mehr Wissen zu den Themen Game Design, Game Production und zu allem anderen, als ihr in einigen Jahren durcharbeiten könnt. Natürlich ist das erstmal viel zu viel. Und ihr wollt ja auch noch eigene Games schaffen. Deshalb, wie immer, der Rat: arbeitet einfach an mit Eurem eigenen Spiel. Und lernt parallel so viel Ihr könnt aus diesen (oder anderen) Quellen.
¶ History (aktuell erst mal eine skizzenhafte Sammlung)
Hier geht's nicht um die ganze Geschichte der Videogames. Das können andere im Netz – zum Beispiel Mobygames oder das Computerspielemuseum in Berlin (ein Besuch lohnt sich! – besser. Sondern um ein paar historische Zusammenhänge, die wir im Unterricht immer wieder brauchen. Also eher unsere Videospiele-History.
- A Brief History of Graphics Damit wir eine gemeinsame Sprache sprechen. 5-teilige Serie von den frühen 70ern bis Crysis / etwa 2014.
- The Story of Virtuality – Nostalgia Nerd [Video] There was first VR craze in the 90s, and this video offers a great recap.
- Die Geschichte der Virtual Reality von 1788 bis zur Valve Index.
- Morton Heilig's Sensorama Frühestes VR-Gerät von 1957.
¶ 4. Games vermarkten
Alle wollen immer Art oder Dev machen, aber kaum jemand Öffentlichkeitsarbeit. Oder gar Business Development. Verständlich, aber kein besonders guter Weg, das Geld zu erwirtschaften, um die schönen Sachen weiter machen zu können.
Es gibt zwei größere Baustellen, die wir in eigenen Bereichen behandeln:
- Öffentlichkeitsarbeit (ÖA) und
- Business Development. Ihr wollt selbst unternehmerisch tätig sein? Dazu gibt's die GründerInnenwerkstatt.
¶ Add-on: Game-Dev Filme
High Score (Netflix Originals) – Ganz gute Doku-Serie über Meilensteine der Videospielgeschichte.
Indie Game The Movie (Steam) – Erfolgsgeschichte von 3 Indie Game Devs (Fez, Super Meat Boy, Braid).
Surviving Indie (Devolver Digital, Youtube) – Einblicke in das Leben und Schaffen verschiedener Indie-Game-Devs und ihrerm täglichen ,Struggle‘. Im Gegensatz zu „Indie Game The Movie“ werden hier nicht nur Erfolgsgeschichten präsentiert, sondern die viel eher normale nicht-success-story unabhängiger Game-Entwickler. Ein Film, der auch ein bisschen zum Nachdenken anregt, worauf es eigentlich ankommt als Indie Dev.
We are alright (Steam) – Sehr persönliche Geschichte des polnischen Dev-Teams „Crouching Koalas“, die ihre Jobs kündigen, um den Indie-Titel „Lichtspeer“ zu entwickeln. Besonders interessant ist hier auch, dass man ,live’ mit der Kamera den Release des Games verfolgen kann (polnisch mit englischem Untertitel).
- Pixel Poetry (Gamestar Arts / Devolver, YouTube) – ganz nette Doku über das Verhältnis von Games & Art und wie man Games sehen kann.